Die Galerie Tanja Wagner zeigt die Gruppenausstellung The Seed Is the Tree Is the House mit Arbeiten von Šejla Kamerić, Verena Melgarejo Weinandt, Grit Richter, Cielo Saucedo, Anna Steinert und Angelika J. Trojnarski.

Die westliche Kultur geht seit Langem davon aus, dass die Welt aus festen, beständigen Substanzen besteht – Materie ist stabil, ihre Konturen lassen sich sauber voneinander trennen, messen, prüfen, beweisen. Diese Vorstellung wirkte wie ein Bann: Sie begründete die Hegemonie des Westens über den Rest der Welt und ermöglichte außergewöhnliche wissenschaftliche Errungenschaften ebenso wie immense ökologische Zerstörung.

Der Ausstellungstitel ist eine These, fast eine Provokation – ein Angriff auf diese klassische Ontologie, zugleich eine Einladung, die überlieferte Vorstellung von Natur und Kultur als Gegensatzpaar neu zu denken. Die Künstler*innen der Ausstellung beziehen sich auf Theorien aus Ökologie, Kybernetik, Feminismus, Posthumanismus und nichtwestlichen Philosophien, die alle eines betonen: die vergänglichen Prozesse, auf denen jedes Dasein beruht. Die Ausstellung folgt den Kreisläufen und Rückkopplungs-schleifen – mechanisch, biologisch, sozial –, die uns mit allem Lebendigen und Nichtlebendigen auf der Erde verbinden. Sie entsteht aus einem Verständnis von Welt als etwas Fließendem, Vernetztem.

Šejla Kamerićs Arma Rosa III gehört zu einer Serie von Messingskulpturen, die große, dornige Zweige zeigen. Erstmals präsentiert wurden sie zusammen mit Thorn (Bitch), einer Serie von Polaroid-Nahaufnahmen: Sie zeigen den Körper der Künstlerin im Kontakt mit echten Dornenzweigen, fest gepresst an die nackte Haut ihrer Oberschenkel. Die Fotografien sind Selbstporträts – eine Praxis, die sich durch Kamerićs gesamtes Werk zieht. Wie viele Feministinnen vor ihr macht sie den eigenen Körper zum Werkzeug der Kritik. Situiert und körperlich, wendet sich ihre Kritik gegen die klinische Distanz, auf der Ansprüche auf Objektivität und Universalismus beruhen. Die Y-förmige Gabelung von Arma Rosa III greift ein Motiv auf, das in dieser Serie und an anderen Stellen ihres Werks immer wiederkehrt: die Gabelung der Oberschenkel. Zugleich verweist sie auf die Allgegenwart dieses Motivs im Kanon der westlichen Kunst. Dornen und die Blumen, zu denen sie gehören, nehmen im westlichen Symbolhaushalt einen festen Platz ein – die Blume anmutig und samtig, der Dorn ihre scharfe, gefährliche Kehrseite. Für Kamerić stehen Dornen auch für einen Schmerz, der in den weiblichen Alltag eingeschrieben, historisch aber übersehen und abgetan wurde.

Verena Melgarejo Weinandts Textilinstallation trägt den Titel Interfaces_Entretelas – ein Titel mit doppeltem Boden. Zum einen greift er das Konzept haciendo caras auf, eine Form des politischen Widerstands, wie sie die Chicana-Theoretikerin und Autorin Gloria Anzaldúa formuliert hat. Zum anderen verweist er auf das Material der Arbeit selbst: die Entretela, jene Einlage, die zwischen äußerer und innerer Stofflage eines Kleidungsstücks eingearbeitet wird, um den Körper zu formen, zu stützen, zu schützen. Für Melgarejo Weinandt, die bolivianische und deutsche Wurzeln hat, wird die Entretela zum Bild ihrer eigenen Erfahrung des Dazwischenseins – des Sich-zu-Hause-Fühlens in verschiedenen Sprachen, Traditionen und Geografien, ohne je ganz dazuzugehören. Dieses Dazwischen findet einen Namen in Nepantla, dem aztekischen Begriff für den Raum „in der Mitte“, den Anzaldúa aufgreift, um die Schwellenräume zwischen verschiedenen Sphären des Daseins zu beschreiben. Nepantla fügt sich in eine breitere Strömung der aztekischen Metaphysik ein, die den Prozess über die stabile Substanz stellt: Das Universum wird als im Fluss verstanden, in einem Zustand fortwährenden Werdens. Melgarejo Weinandt begreift Textil als Struktur, die Bedeutung und Erinnerung tragen kann – und knüpft damit an die traditionelle Rolle des Textils in den Andenkulturen als Form von Schrift und Aufzeichnung an.

Grit Richters Prozess beginnt in der starren Weite eines digitalen Rasters, hier entsteht die Skizze. Was folgt, ist akribisch und zutiefst körperlich zugleich: Zunächst grundiert sie die Leinwand sorgfältig, in mehreren Schichten, dann überträgt sie ihre digitale Zeichnung mit Ölfarbe und verblüffender Präzision Schritt für Schritt auf die Leinwand. So entstehen Gemälde, die hypnotisch wirken, fast glühend. Das Raster ist dabei nicht bloß Hintergrund, sondern fester Bestandteil von Richters Bildwelt – mitunter wird es selbst zum zentralen Gegenstand ihrer Leinwände. Manchmal bevölkern schwebende, gerundete Figuren das Raster, manchmal Röhren oder kabelartige Formen, die seine Linien aufgreifen. Dann wieder werden diese zylindrischen Formen von winzigen Händen akzentuiert. Ihre Bildsprache ist dem Atomaren, dem Digitalen und dem Kosmischen zugleich verwandt – und doch ist dieses Universum nicht kalt, wie man vermuten könnte. Im Kern ihrer Arbeit steht immer Verbindung. Hände, vor allem der ausgestreckte Zeigefinger, gehören zu den wenigen figurativen Elementen in ihrem Symboluniversum: Werkzeuge des Berührens, Erschaffens, Verbindens.

Cielo Saucedos Sword of Damocles (NOTHING POWER) (disarmed) gehört zur Serie Masticado, spanisch für „zerkaut“ oder „verdaut“. Die Arbeit ist ein 3D-Scan von Saucedos eigenem Körper, per 3D-Druck zurück ins Physische überführt. Dafür hat die Künstlerin 3D-Drucker so umgebaut, dass sie eine Mischung aus Maseca – einer Marke für Maismehl –, Ton, Selbstbräuner, Antipsychotika und Papierbrei verarbeiten können. Die Serie basiert auf Recherchen zur Wirtschaftspolitik nach NAFTA, durch die sich Mexikos wichtigstes Exportgut von Mais zu Arbeitskraft verschob, sowie zur Grenzpolitik, die die Bewegung eben dieser Arbeitskraft mit zunehmend virtuellen Mitteln kontrolliert. Das Material agiert dabei selbst: Es verdeckt den Körper, lässt ihn reißen, verrottet, wird gefressen. Als hybrides, natürliches Material entzieht es sich einer vollständigen Formung durch technische Mittel. Saucedos Praxis setzt sich kritisch mit Grenzen unterschiedlichster Art auseinander – nationalen Grenzen ebenso wie den Trennungen zwischen natürlich und unnatürlich, materiell und virtuell, menschlich und nichtmenschlich. Ihr Ziel: zu zeigen, wie diese Trennungen voneinander abhängen und im Dienst ihrer eigenen Konstruktion stehen.

Anna Steinerts Gemälde, Skulpturen und Masken zeugen von einem tiefen Verständnis dafür, wie Farbe Gefühle und Handlungen hervorrufen kann. Leinwand, Ölfarbe und Pastell setzt sie intuitiv und unmittelbar körperlich ein – ihre Handlungen ergeben sich aus den Farben und Texturen, die sie auf die Leinwand aufträgt. Dieser beschwörende Impuls erstreckt sich auch auf ihre Masken und skulpturalen „Kreaturen“, die auf ambivalente Weise an Dinge aus der Natur erinnern. Mit ihren fantastischen Anspielungen verweisen diese Objekte auf das bezaubernde, chimärische Potenzial von Bildern selbst – und damit auf die Rolle der Fantasie im Alltag. Ihre Kompositionen und Titel speisen sich aus vielfältigen theoretischen Interessen, von Donna Haraways feministischem spekulativem Fabulieren bis zu Emanuele Coccias Die Wurzeln der Welt. Eine Philosophie der Pflanzen. In ihren Performances und Videoarbeiten wird besonders deutlich, wie zentral Verkörperung sowie das Soziale und Gemeinschaftliche für ihre Praxis sind.

Angelika J. Trojnarskis Praxis entspringt einer Faszination für die grenzenlose Schönheit der Natur und das tief verankerte menschliche Bedürfnis, ihre komplexen Prozesse zu verstehen. Ihre Arbeiten sind untrennbar mit ihren regelmäßigen Expeditionen zu Gletschern, Wüsten, Gebirgen und Wäldern verbunden – Reisen, die ihr am eigenen Leib vor Augen führen, wie klein der einzelne Mensch gegenüber der erhabenen Größe der Natur ist. Über verschiedene Disziplinen hinweg lässt sich Trojnarski von natürlichen Prozessen wie Regen, Nebel oder Feuer inspirieren und bezieht diese mitunter direkt in ihre Kompositionen ein. In ihrer neuen Arbeit Spirit of the Forest ist die unbemalte Leinwand ebenso wichtig für die Komposition wie jeder einzelne Pinselstrich. Jedes Element scheint gegen die anderen austariert, gleichwertig bedacht, eingebunden in ein zirkuläres Beziehungsgefüge, das in viele Richtungen wirkt. Luftig und leicht legt die Komposition Vergänglichkeit nahe, wo man eigentlich Verwurzelung erwarten würde – und zeigt den Baum als Prozess, als stetes Werden.